UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA
UNA

NOTICIAS

TODAS LAS NOTICIAS

ConvocatoriasDeportesSecretaría de Extensión Cultural y Bienestar Estudiantil

Talleres deportivos de la UNA | 1° cuatrimestre 2026

Rectorado

Inscripción abierta del 1° al 11 de mayo
La Secretaría de Extensión Cultural y Bienestar Estudiantil, a  través de la Dirección de Bienestar Universitario, convoca a estudiantes de grado y graduades (de los últimos dos años), a participar en los talleres de deportes en las disciplinas: fútbol 5 (mixto), handball (mixto) y voley (mixto).
InstitucionalesProducciones audiovisuales

Universidad y Memoria - Conversaciones a 50 años del golpe de Estado

Rectorado

Nuevo ciclo audiovisual de la UNA
La Universidad Nacional de las Artes lanzó el ciclo audiovisual Universidad y Memoria - Conversaciones a 50 años del golpe de Estado, una serie de cuatro entrevistas para pensar la relación entre historia, memoria y presente. Sus entrevistas proponen como punto de partida una idea central: el 24 de marzo no es solo una efeméride ni un hecho cerrado del pasado. Es un acontecimiento que sigue interrogando el presente.
ConvocatoriasConvocatorias MovilidadInternacionales

Programa de Intercambio Académico Latinoamericano (PILA) | 2° cuatrimestre 2026

Rectorado


Del 24 de abril al 25 de mayo se encuentra abierta la convocatoria al Programa de Intercambio Académico Latinoamericano (PILA), consistente en una beca para estudiantes UNA que deseen realizar una experiencia de movilidad en una universidad latinoamericana. El jueves 7 de mayo se brindará un encuentro informativo para las personas interesadas.
InstitucionalesNodocentes

Nuevo llamado a concurso Nodocente. Departamento de Artes del Movimiento

Rectorado


Continuando con la normalización de la Planta Permanente, se llama a Concurso Cerrado Interno para trabajadoras y trabajadores Nodocentes que revistan actualmente en la Planta Permanente del Departamento de Artes del Movimiento de la Universidad Nacional de las Artes. Los requisitos necesarios, documentación a presentar y cronograma se encuentran detallados en la resolución.

La UNA entregó el Doctorado Honoris Causa a María de los Ángeles "Chiqui" González

Formación Docente


El pasado 7 de abril, la Universidad Nacional de las Artes (UNA) entregó el Doctorado Honoris Causa a la profesora María de los Ángeles “Chiqui” González. El reconocimiento fue una propuesta del Departamento de Educación en Artes (nombre que desde la reciente reforma del estatuto tiene el Área Transdepartamental de Formación Docente) y se llevó a cabo en el Museo de la Cárcova.
TODAS LAS NOTICIAS

TODAS LAS CONVOCATORIAS

AGENDA



AGENDA

AGENDA COMPLETA

CURSOS DE EXTENSIÓN / WORKSHOPS / TALLERES

Tango arrangements. Part I

This tango course is aimed at English-speaking students and focuses on providing the knowledge and skills to approach the composition of tango arrangements aesthetically, stylistically and technically. Originally recorded in Spanish, the course has been translated into English with subtitles.   Summary The course begins with an analysis of the elements that coexist and shape a musical arrangement. It covers the essential technical aspects of the genre, its development and notation within an arrangement, as well as the general planning of the work and the study of compositional tools.   Modality The course is divided into 8 video modules that participants can watch at their convenience. It is asynchronous and includes subtitles in English.   Duration 8 modules   Tuition fee 1 payment (full amount upfront) of $270 USD The participation in the course is only confirmed once the payment receipt is sent to musicales.cursos@una.edu.ar. The payment methods will be forwarded via email to those who complete the registration form.   Course requirements / prerequisites It is not necessary to have any previous knowledge or experience as an arranger or in tango music.   Program - Work methodology - The role of the musical arranger - Basic orchestral roles - Tango melody - Fraseo in tango (notation and analysis) - Solo, Soli and Tutti - Melodic ornamentation in Tango. - Articulation and accents (notation and analysis) - Melody on the piano (different arrangements and notation) - Melody on the piano with the orchestra - Bass lines - Lower limit of intervals - Mixed timbres - Ornamentation in bass lines - Usual harmonic uses in Tango ( analysis and historical origins) - Re-harmonization processes and tools - Counterpoint - Bandoneón, instrumentology, notation and analysis   Bibliography Material created and compiled by Ariel Pirotti, specially integrated with original compositions and arrangements.   Course objectives - To develop the skills to aesthetically, stylistically and technically approach the writing of arrangements based on the vast repertoire of tango music - To acquire knowledge of the different styles of tango and their main characteristics - To understand the musical notation in connection with tango music - Aesthetic research for the renewal and revitalization of tango - To encourage the production of new tango compositions and arrangements   Registration form ACCESS THE FORM Contact information Office of Extension and Cultural Production DAMus - UNA musicales.cursos@una.edu.ar

Tango arrangements. Part I

Artes Musicales y Sonoras

Herramientas básicas de electricidad para las artes

El curso propone una formación inicial en las diferentes instancias que implican la parte eléctrica de un escenario o una muestra de arte, la teoría de circuitos básicos de electricidad y búsqueda de posibles fallas en el vivo del evento, con el objetivo de introducir a las personas interesadas los conocimientos y habilidades necesarios para el ejercicio futuro del oficio.

Herramientas básicas de electricidad para las artes

Hernán Gretter

Rectorado

Realización de streaming

El curso brindará herramientas, conocimientos y ejercicios prácticos orientados a la producción y realización de transmisiones en vivo por streaming. La propuesta combina instancias teóricas, análisis de casos y prácticas de realización, con el objetivo de que las y los participantes incorporen criterios básicos y avanzados para diseñar, montar y ejecutar un streaming en distintos contextos culturales, educativos, comunitarios e institucionales.

Realización de streaming

Cristian Delicia

Rectorado

Prevención del riesgo de trabajo orientado a escenarios

El curso brindará herramientas, conocimientos y ejercicios prácticos sobre los riesgos derivados de las actividades de las artes escénicas. Abordará las prácticas recomendadas de prevención y seguridad en la actividad de las artes escénicas con el fin de identificar, evitar y controlar los riesgos en escenarios teatrales o en instalaciones dedicadas a la industria del entretenimiento.

Prevención del riesgo de trabajo orientado a escenarios

Yamila Fleitas

Rectorado

Diseño, modelaje y armado de calzado

El curso se propone brindar un conjunto de herramientas vinculadas al diseño y la moldería de calzado urbano y teatral. Una síntesis de conocimientos básicos para diseñar modelos sencillos. Se abordarán los distintos tipos de calzado, sus clasificaciones y etapas de desarrollo, promoviendo tanto la destreza manual como la creatividad visual. A lo largo del trayecto, lxs estudiantes elaborarán un portfolio personal, estrategias de colección y un proyecto final que integre los saberes adquiridos, con foco en la proyección profesional dentro del ámbito del calzado urbano y teatral.

Diseño, modelaje y armado de calzado

Horacio Rodríguez, Bárbara Madsen

Rectorado

TODOS LOS CURSOS

Igualdad, Derechos y Diversidad

Ley Micaela

En abril de 2019, el Consejo Interuniversitario Nacional (CIN) adhiere por unanimidad a la Ley N° 27.499 “Ley Micaela”, incluyendo así a todas las universidades públicas del país que lo integran. En este contexto, la Universidad Nacional de las Artes (UNA) adhiere a esta ley a través del Consejo Superior, estableciendo la capacitación obligatoria en materia de género y violencia contra las mujeres y disidencias para toda la comunidad universitaria: autoridades, docentes, nodocentes, estudiantes y graduades. Por consultas, escribir a: rectorado.leymicaela@una.edu.ar Capacitación obligatoria en materia de género y violencia contra las mujeres y disidencias “Ley Micaela” (Resolución de Consejo Superior Nº 0052/19)

Ley Micaela

Formulario web de solicitud de cambio registral acorde a la Ley de Identidad de Género (26.743)

Ya se encuentra disponible el Formulario web de solicitud de cambio registral acorde a la Ley de Identidad de Género (26.743), según establece la Resolución de Consejo Superior N° 0029/21 (acceder) se implementa este nuevo instrumento fundamental para reafirmar el respeto y la garantía del pleno derecho a la identidad de género de las personas en todos los ámbitos y dependencias de la universidad.

Formulario web de solicitud de cambio registral acorde a la Ley de Identidad de Género (26.743)

La UNA contra las violencias

Desde el año 2017, a partir de la creación del Protocolo para la atención de la violencia de género, el acoso sexual y la discriminación basada en razones de género u orientación sexual en la Universidad Nacional de las Artes -modificado en 2019-,  la UNA asume un compromiso permanente por erradicar de las prácticas de su comunidad situaciones de violencia y discriminación basadas en el género de las personas, la orientación sexual y la identidad y la expresión de género que excluyan, restrinjan, limiten, degraden, ofendan o anulen el reconocimiento, goce o ejercicio de los derechos de las personas.

La UNA contra las violencias

SEMINARIOS DE POSGRADO

Procesos comunicacionales y nuevas tecnologías

El seminario aborda la cultura pública y la comunicación. Específicamente identifica las transformaciones culturales y comunicacionales en relación a los medios de comunicación, su funcionamiento y su regulación. Se indaga, además, en las cuestiones de las tecnologías de información y la comunicación, las brechas e igualdades digitales.

Procesos comunicacionales y nuevas tecnologías

Ignacio del Pizzo

Rectorado

Intermedialidades en las prácticas artísticas

Este curso tiene como objetivo mapear y analizar las dimensiones técnicas, estéticas y políticas de las diferentes prácticas de escritura que integran diferentes materialidades expresivas en el ámbito de la literatura contemporánea latinoamericana. Al mismo tiempo, se produce un importante incremento cuantitativo y cualitativo en la creación de obras literarias que combinan o yuxtaponen palabras, imágenes y sonidos. Este fenómeno se puede evidenciar en las complejas articulaciones entre signos verbales, fotografías y collages en las páginas de obras de poesía y ficción; en las manipulaciones gráficas, tipográficas y perigráficas presentes en el libro impreso; explorar la plasticidad y la interactividad de los dispositivos digitales; y en las diversas formas de expansión, migración y actuación del texto literario. Al concebirlas como prácticas intermediarias, se busca forjar un campo de investigación que permita describir y analizar las relaciones entre creación literaria, materialidad de los medios y producción de sentido. Así, en la medida en que estas prácticas involucran nuevos procesos de producción, recepción y mediación sociotécnica, las tres preguntas que, fundamentalmente, guían esta investigación son: 1) ¿De qué manera las condiciones técnicas de producción inciden en la formación de una especie de sensibilidad? Intermediario de quien escribe, es decir, de una actividad imaginativa que interactúa, día tras día, con los dispositivos de agencia de la percepción 2) ¿Cómo, desde el punto de vista de la recepción, estas nuevas experiencias creativas han ido transformando las prácticas de lectura y las formas habituales de producción de sentido? 3) ¿En qué medida, desde una perspectiva estético-política, estas formas de ocupar lo sensible movilizan nuevas potencialidades de representación cultural y participan en los procesos de producción de subjetividades en el mundo contemporáneo? La creciente conciencia de que las prácticas de escritura contemporáneas se inscriben en una compleja red formada a partir de las articulaciones entre las dimensiones materiales de la palabra, la imagen y el sonido, impone nuevos desafíos en el orden de su descripción conceptual, en el desarrollo de metodologías que permitan su abordaje y en el desarrollo político, estético, cultural y social de este fenómeno. Para concebir una forma de describir el problema se han propuesto diferentes conceptos. La profesora y ensayista Vera Lúcia Foullain de Figueiredo propone el término literatura expandida como una forma de circunscribir este fenómeno en el que “el perfeccionamiento de las tecnologías electrónicas y digitales, los desplazamientos y expansiones que socavan las especificidades de cada medio de expresión” (Figueiredo , 2017, pág. 97). Natalia Brizuela, profesora y ensayista de la Universidad de Berkeley, Estados Unidos, también invierte en la rúbrica “expansiones de la literatura” (Brizuela, 2014, p. 31) como forma de anclar una producción literaria fuertemente marcada por “cruces, pasajes y intermediaciones que llevaron a las artes a la destrucción de sí mismas” (Brizuela, 2014, p. 15). La ensayista argentina Florencia Garramuño, a su vez, propone pensar el problema en negativo, es decir, concebir ciertas corrientes de la producción estética contemporánea como “diferentes formas de no pertenencia” (Garramuño, 2014, p. 91). Al final, el fundamento del esfuerzo descriptivo de Foullain, Brizuela y Figueiredo parece residir en una concepción de lo literario como algo suave, conmovedor. En este sentido, corresponde indagar sobre las relaciones entre creación literaria, materialidad de los medios y producción de sentido. Les escritores contemporáneos –se propone aquí una tesis experimental– se inscriben en un horizonte de sensibilidad intermedial, es decir, sus gestos de apropiación, transformación y cruce de signos verbales y gráficos presentan, como condición de posibilidad, una actividad imaginativa que interactúa, día tras día, con la riqueza de imágenes disponibles en Internet, con herramientas de edición de software y con la propia construcción cultural de la visión operada por las formas sociales de uso de los dispositivos técnicos y sus formas de programar el gesto mismo de escribir. Friedrich Nietzsche ya había expresado su sospecha sobre el impacto de las nuevas tecnologías de escritura en el campo del pensamiento a través de una frase escrita en una carta de 1882: “Nuestra herramienta de escritura trabaja junto con nuestro pensamiento” (Kittler, 2019, p. 278). Estos gestos de exploración del potencial expresivo y sugerente de los signos verbales presentan, como condición de posibilidad, la formación de una nueva sensibilidad de quien escribe frente a las transformaciones tecnológicas operadas por la modernidad. En su estudio sobre el impacto de las transformaciones técnicas y urbanas en la vida literaria brasileña, la ensayista Flora Süssekind llama la atención precisamente sobre el hecho de que “las innovaciones técnicas, difundidas en el país a un ritmo más acelerado, especialmente a partir de las últimas décadas del siglo XX, tuvieron repercusiones en la vida cotidiana y en la transformación de la sensibilidad de los productores culturales” (Süssekind , 1987, p. 17). En este sentido, la imaginación y los modos de expresión de les escritores están en constante interacción con el conjunto de nuevas experiencias perceptivas, cognitivas y sensoriales producidas en sus relaciones con los objetos sociotécnicos. Es importante recordar la lección de Benjamin: “A lo largo de largos períodos históricos, no sólo cambia el modo de existencia de las colectividades humanas, sino también su forma de percepción” (Benjamin, 2012, p. 13). Desde principios del siglo XX se ha ido constituyendo paulatina y crecientemente un conjunto de reflexiones y teorías que podrían, día tras día, ocuparse de los incesantes procesos de producción, circulación y construcción de sentidos del texto literario. En este sinfín de discursos se pueden destacar: a) los problemas relacionados con los cambios perceptivo-cognitivos debidos a los ensamblajes realizados por los dispositivos sociotécnicos (Walter Benjamin; Susan-Buck Morss); b) las nuevas perspectivas del lenguaje poético debido a la renovación de los modos de interacción entre signos verbales y visuales (Haroldo de Campos; Décio Pignatari; Kenneth Goldsmith; Anne-Marie Christin; Johanna Drucker); c) reflexiones dirigidas a pensar las formas en que los instrumentos de escritura influyen en la estructura misma del pensamiento (Marshall McLuhan; Elizabeth Eisenstein; Friedrich Kittler; Vilém Flusser); d) las implicaciones de las tecnologías de audio en los conceptos relacionados con la noción de voz y el papel del cuerpo entendido como una dimensión técnica (Michel Chion; Paul Zumthor). Dentro de esta perspectiva, cobra especial relevancia la noción de materialidades de la comunicación, término que, desde la década de 1980, ha sido utilizado por una amplia gama de disciplinas, como la teoría literaria, los estudios cinematográficos, las teorías de los medios y la filosofía de la técnica, entre otras. Con el objetivo de describir y analizar cómo los medios técnicos de registro, procesamiento y difusión de signos no solo transportan significados, sino que también influyen en la forma en que se producen significados sobre una obra. Bajo el paradigma de las materialidades, es importante comprender, como señala Johanna Drucker, “las relaciones entre forma y expresión, entre materia y contenido” (Drucker, 1994, p. 49), más particularmente, la capacidad de una imagen , un poema o una palabra existen autónomamente, son tangibles, se constituyen como “objetos dimensionales del mundo real” (Ibidem). Así, las diferencias en las ediciones de un texto (Chartier, 2001); el uso de filtros, lentes o corrección de color en una película (Bruno, 2014); y los procesos de grabación, remasterización y digitalización de canciones (Milner, 2010) importan en la medida en que influyen en la forma en que se produce la aprehensión sensible de las obras.

Intermedialidades en las prácticas artísticas

Alex Martoni

Rectorado

Las prácticas artísticas como modos de pensamiento

El seminario se propone pensar la producción artística como producción de conocimiento y como proceso de investigación para, a partir de allí, poner en crisis la noción de arte y de ciencia establecida por el paradigma positivista. Más allá de la larga tradición en formación artística de la región, el estatuto del arte como instancia de producción de saber no ha sido investigado en sus características propias. Esto se debe a la persistencia, sobre todo en el ámbito académico, de un modelo de conocimiento basado en la disyunción entre experiencia sensible y verdad como categorías antagónicas del saber. A partir de la modernidad, lo sensible, patrimonio del arte, fue excluido definitivamente del campo del conocimiento científico y, debido a la operación ideológica que hace coincidir el universal con el particular, del campo del conocimiento en general.   Una serie de preguntas-problema guiarán el recorrido del seminario: ¿Qué tipo de saberes constituyen las prácticas artísticas? ¿En qué sentido la producción de estos saberes implica una puesta en cuestión de las epistemologías y torna necesaria la construcción de una heurística interseccional del saber? ¿Cuál es su vínculo con las nuevas condiciones de producción de la vida contemporánea en el marco de las llamadas economías del conocimiento o capitalismos cognitivos?

Las prácticas artísticas como modos de pensamiento

Sandra Torlucci

Rectorado

Experiencia y experimentación en la investigación en artes

El seminario propone la construcción colectiva de un ámbito experimental para la investigación en artes, partiendo de la idea de que éstas son una forma de interrupción de los modos cotidianos de la sensibilidad. Se pensarán las posibilidades expresivas de las materialidades artísticas y las derivas e intersecciones (intermediales y situadas) en las que se encuentran las prácticas artísticas frente al devenir globalizante del neoliberalismo.

Experiencia y experimentación en la investigación en artes

Hernán Ulm

Rectorado

Práctica interdisciplinaria de investigación en artes 2

Este curso se propone el estudio de una serie acotada de proyectos artísticos latinoamericanos de las últimas décadas. Algunos de esos proyectos son producciones artísticas, obras de teatro, instalaciones, performances; otros son proyectos culturales que involucraron la gestión de un museo de arte durante un gobierno revolucionario o de una galería de arte durante los años noventa; otros, finalmente, son proyectos más difusos, la transformación de una vivienda privada en una instalación comunitaria que nunca tuvo carácter de tal, la apertura de un bar nocturno donde también funciona un set de filmación y una peluquería, el diseño de indumentaria y la organización de desfiles sin otro fin que el habitar el espacio de la pasarela. Los proyectos son genéricamente disimiles y acontecen en Chile, Argentina, Brasil y Perú. Su cronología va desde 1972 y continúa hasta el presente. Estos proyectos, que pertenecen a Mário Pedrosa, Hélio Oiticica, Julio Grinblatt, Sergio de Loof, Jorge Gumier Maier, Giuseppe Campuzano, Vivi Tellas, Dani Zelko, Paulo Nazareth, Ana Gallardo, y Fabulous Nobodies (Roberto Jacoby y Kiwi Sainz), buscaron de maneras diversas crear con otres, conocerles o convocarles para construir nuevas gramáticas sociales y subjetivas. Son, todos ellos, y así se pensarán, laboratorios experimentales que ensayan formas de vida, que hacen resonar debates sociales y/o los proponen: vivir la vida como obra de arte, practicar una afectividad queer, escuchar lo que tienen para decir les migrantes, los pueblos originarios, alertar contra los estigmas de la pandemia del sida, releer una historia en clave travesti como modo de reescribir una historia oficial blanca y heteronormativa. Pero si se disloca un poco la mirada, en estos proyectos también se podrá ver que allí se dirimen algunas encrucijadas estéticas centrales para el presente: el testeo de la potencia política de las artes y sus instituciones, los fantasmas, y sus posibles conjuraciones, de la manipulación del subalterno, la búsqueda de marginalidad absoluta o por el contrario el entrismo institucional, o los nuevos regímenes de identificación de un arte expandido y desfondado en lo social.  La heterogeneidad de los proyectos a recorrer resulta evidente. Hay, sin embargo, una conexión que construye una trama a lo largo del tiempo por sobre las diferencias. En todos ellos se puede escuchar el despliegue de algún tipo de conversación. En ciertos proyectos esa conversación es literal, para producir sus biodramas, por ejemplo, Vivi Tellas conversa con las personas que lo van a protagonizar, y lo mismo hace Paulo Nazareth durante sus recorridos por Latinoamérica en su proyecto Noticias de América. La conversación en la que se está pensando, la que se puede escuchar, excede el intercambio de palabras y apunta también a la construcción y generación de situaciones de contacto e intercambio que pueden adquirir diferentes formas: la conversación propiamente dicha en su sentido más literal como en los biodramas mencionados, la escucha como en el proyecto Reunión de Dani Zelko, el juego o el contacto entre cuerpos tal como fue practicado en el bar Bolivia regenteado por Sergio de Loof. Estos proyectos buscaron generar lo que se denominará como conversaciones expandidas, que funcionan procedimientos performativos para que emerjan teatralizaciones de vidas colectivas o singulares.  Es posible acordar con Erika Fischer Lichte que a partir de los años sesenta se percibe en las artes un impulso performativo que hace que las obras dejen de entenderse como representaciones de otro mundo que les espectadores observan, interpretan y comprenden, y que comiencen a concebirse como una relación singular y situada entre actores y espectadores. Si el sueño vanguardista de estetizar la vida no pudo concretarse, el impulso performativo parece clavar una estaca en la idea de autonomía estética, como si fuera la vida la que ingresara al arte. Renato Cohen, en su libro Performance como linguagem y en referencia a John Cage hablará de un “arte no intencional”, haciendo foco precisamente en la idea de lo aleatorio, de lo casual como modo de romper el carácter orgánico de la obra y como forma de introyectar en ella un afuera no estético. Los proyectos a visitar se encuentran inscriptos en este impulso. Sin embargo, también exhiben ostensiblemente sus procesos de construcción. Artistas, gestorxs o curadorxs funcionan como maestrxs de ceremonias que abren la escena y demarcan el campo para que allí se produzca una experiencia. Por ello, el seminario propone que el impulso performativo se articula siempre con un trabajo de formalización. En sentido estricto no hay sinceridad ni testimonio directo en los proyectos que propone el docente pero tampoco constituyen una pura representación. Fundan protocolos, ensayos y pruebas, como si estuvieran en un laboratorio, para que algo del orden de la verdad de la situación destile allí: un conjunto de palabras, un gesto, una imagen, un cuerpo danzante, en movimiento.    En algunos de estos proyectos, la institución –el museo, la galería de arte, la sala de teatro- busca ser repensada para habitarla de otros modos. Más que disolverla, más que negarla en un gesto vanguardista, se la asedia en sus límites, se la reinventa o simplemente se la usa como una instancia más. Por ello, en algunos casos es posible hablar de prácticas u obras en tránsito, porque su vida ni comienza ni termina en la sala de un museo pero es capaz de habitarla. En otros casos, como apunta Hal Foster para pensar el arte de las neovanguardias, “los artistas ya no proponen ni una negación abstracta del arte ni una reconciliación romántica con la vida, sino un continuo examen de las convenciones de ambos” que encuentra en la institución el sitio apropiado. La inclusión de la institución resulta crucial para sortear la ilusión de una pura presencia de esas historias personales, de esos lazos comunitarios, para desterrar la idea de la institución como un simple espacio neutro o un recipiente insípido que se limitara a alojar un conjunto de obras.  Los proyectos a recorrer se montan en las instituciones y producen transformaciones sobre ellas o permiten relecturas críticas de sus paradigmas históricos, de sus modalidades de clasificación y jerarquización de lo que han exhibido y mostrado. O, por el contrario, son las instituciones las que les construyen un adecuado régimen de visibilidad, las que producen un proceso de reauratización y descontingencia.  El programa tendrá en cuenta tres ejes, que abordará de modo simultaneo:  1) Un eje histórico en el cual un conjunto de experiencias participativas funcionó como respuesta a una serie de encrucijadas estético-políticas latinoamericanas. Esas encrucijadas construirán una línea temporal cronológica compuesta del siguiente modo: el horizonte revolucionario de los años sesenta, el advenimiento de las dictaduras en esa misma década, la lenta salida de los procesos dictatoriales y nuestro presente surcado de nuevos activismos como feminismos, movimientos LGTBQ+, migrantes, antirracismos.  2) Un eje institucional que observa la relación, en algunos casos problemática, en otros de uso y reformulación, que esas experiencias traban con las instituciones que las albergan o las leen. Las diferencias entre un proyecto de museo como el de la Solidaridad y el Museo Travesti, la llegada al museo de la producción de Loof, el trabajo sobre el espacio escénico y sobre el circuito teatral porteño de Vivi Tellas, la invención de una editorial y sus canales de distribución de Dani Zelko, serán algunos de los casos a tratar.  3) Un eje estético que se pregunta por los estatutos artísticos de los proyectos presentados, por el tipo de arte que allí se procesa, y por su relación con el afuera, con lo que no es arte, con la vida cotidiana. ¿Se trata de experiencias que funcionan como laboratorios que necesariamente deben trascender sus fronteras para instalarse en el seno de la vida? ¿Vienen a explicar las injusticias que de todos modos ya conocidos? ¿O se trata de experiencias que cultivan lo disensual, lo incierto, la discordia y la distancia? Interrogantes que serán planteados en el marco de una crisis irreversible de los fundamentos de lo que era definido como arte. 

Práctica interdisciplinaria de investigación en artes 2

Mario Cámara

Rectorado

TODOS LOS SEMINARIOS

CONOCÉ LA UNA

La Universidad Nacional de las Artes está conformada por nueve unidades académicas y el Museo de la Cárcova.

Conocelas ingresando a cada uno de sus sitios web.

Cerrar Esta web inserta cookies propias para facilitar tu navegación y de terceros derivadas de su uso en nuestra web, de medios sociales, así como para mejorar la usabilidad y temática de la misma con Google Analytics.
Los datos personales NO son consultados. Si continúas navegando consideramos que aceptas su uso.